artblocks

DADABOTS to duet muzyczny, którego twórczość łączy sztukę, kod i uczenie maszynowe. Są znani z łączenia podziemnych stylów muzycznych takich jak death metal, drum and bass i hardcore punk z technologią syntezowania neuronowego oraz opracowali narzędzia do generowania muzyki na żywo, tworząc nowe gatunki muzyczne, które redefiniują znaczenie występów.
Ich dzieła obejmują transmisje na żywo, badania naukowe i globalne występy, wszystko to wynika z ich głębokiego przekonania, że współpraca człowieka z maszyną jest kluczem do rozwoju kreatywności.
Wywiad odbył się w Hotel Saint George Hall podczas weekendu Art Blocks Marfa, gdzie DADABOTS podzielili się tym, jak narzędzia generacyjne przekształcają muzykę, dlaczego przyjmują niską jakość dźwięku i nieprzewidywalność oraz co sprawia, że ciągle wracają do społeczności Art Blocks.

Bryan Brinkman to artysta multimedialny, którego prace obejmują animację, ilustrację, generatywne 3D i inne dziedziny, był producentem w programach telewizyjnych takich jak (Saturday Night Live) i (The Tonight Show), ma bogate doświadczenie w branży telewizyjnej i wnosi głębokie zrozumienie narracji i interakcji z publicznością do świata sztuki cyfrowej.
Powtarzające się obrazy i pełen życia język wizualny są interpretacją nieustannie ewoluującej przestrzeni kreatywnej, a projekty takie jak BrinkWorks badają nowe wzorce utrzymywania wolności artystycznej i społeczności.
Ten wywiad odbył się w holu Hotelu St. George podczas weekendu Marfa Art Blocks, Bryan Brinkman reflektował nad wyzwaniami związanymi z trwałością kreatywną, cyfrową trwałością oraz znaczeniem przynależności do społeczności Marfa po raz pierwszy.

Ben Kovach to artysta generatywny z Willistonu w Vermont, którego prace eksplorują przestrzeń między systemami strukturalnymi a spontanicznymi wynikami; jego twórczość jest głęboko inspirowana tradycjami minimalizmu i maksymalizmu, łącząc struktury matematyczne z intuicją wizualną, korzystając z języka programowania Haskell do budowy systemów generatywnych, które ostatecznie ewoluują w złożone i często monumentalne dzieła sztuki.
Ten wywiad odbył się podczas weekendu Marfa Art Blocks w lobby hotelu St. George; Ben Kovach podzielił się tym, jak kod, kolory i społeczność kształtują jego proces twórczy oraz dlaczego Marfa wciąż jest znaczącym miejscem wymiany i inspiracji.

Artysta Jimmy Griffith, znany jako Remnynt, jest naturalnie utalentowanym twórcą wspaniałych dzieł sztuki.
W dzieciństwie zdiagnozowano u niego oczopląs, chorobę, która powoduje niekontrolowane ruchy oczu. Mówi, że był zafascynowany ręcznymi działaniami artystycznymi, które zawierały skomplikowane labirynty i mapy, w których mógł skupić się i uważnie śledzić zadania wizualne.
W wieku czterech lat zaczynał rysować labirynty i mapy do gier, które sam tworzył, a w szkole średniej zaczął pisać gry dla przyjaciół na kalkulatorze TI-83.
Dziś Remnynt mówi, że oprogramowanie jest jego medium artystycznym. Po raz pierwszy zetknął się z sztuką generatywną w 2008 roku, badając, jak grafika komputerowa w czasie rzeczywistym może być odtwarzana w świecie gier za pomocą algorytmów matematycznych i geometrii fraktalnej.

Kiedy zaczynała swoją karierę, urodzona w Brazylii, a obecnie mieszkająca w Portugalii malarka Monika Rizzolli nie wiedziała, że stanie się znaną artystką generatywną NFT, wiedziała tylko, że chce tworzyć sztukę.
Bardziej konkretnie, wiedziała, że chce dalej rozwijać kreatywność i inspirację, które zrodziły się z twórczości jej dziadka; chociaż był drukarzem (a nie artystą generatywnym), to wciąż uczyła się z jego etyki pracy i oddania dla sztuki.
Dlatego Rizzolli uczyła się sztuk pięknych, a następnie programowania; zawsze zwracała uwagę na otaczającą ją naturę, łącząc te trzy perspektywy i umiejętności w unikalny styl artystyczny Moniki, malarski, spokojny, taneczny styl natury, który zdobył świat NFT w jej pierwszej serii Art Blocks „Fragmenty Nieskończonego Pola” w 2021 roku.

Witamy w OpenSea Digest, gdzie przyglądamy się najważniejszym wiadomościom tygodnia z NFT i web3.
Pixels robi wszystko, aby uczcić Halloween
Popularna społeczna gra rolnicza z otwartym światem Pixels uruchomiła wydarzenie Halloween, które zapewnia graczom nowe, przerażające wyzwania, przedmioty kolekcjonerskie i minigry, w które można grać przez cały październik.​
Gra o nazwie „Dennis the Dentist's Haunted Harvest” daje graczom szansę na zdobycie cyfrowych punktów poprzez rozbijanie czaszek w różnych kolorach w celu zbierania upiornych nagród w postaci „zębów”, które można wymienić na materiały do ​​produkcji latarni z dyni, odblokowując ubrania z limitowanej edycji .​

Quine stworzyli Matt Hall i John Watkinson z Larva Labs - są oni również duetem stojącym za CryptoPunks, Autoglyphs i Meebits - przynosząc sztukę generatywną na nowy poziom, kończąc tym samym serię Art Blocks Curated.
Ta seria od dłuższego czasu reprezentuje szczyt sztuki generatywnej, a prezentowane projekty odzwierciedlają światowej klasy innowacje, techniczną rygorystyczność i estetyczną urodę; poprzez Quine Larva Labs przekształca koncepcję "quine" (programu samoreplikującego się) w samoreferencyjny system wizualny, ukazując sam algorytm jako dzieło sztuki; projekt ten kontynuuje fascynację studia minimalizmem, strukturą i pięknem kodu.

Rob Dixon, lepiej znany jako Radix, przekształca kod w sztukę generatywną, która jest zarówno oszałamiająca, jak i piękna. Radix, mieszkający w hrabstwie Marin w Kalifornii, od dziesięcioleci eksperymentuje na styku sztuki, kodu i projektowania gier wideo.
Jego dzieła można znaleźć wszędzie, od Marfy po Paryż, a nawet w Metaverse, gdzie współtworzył popularną grę Decentraland WonderZone.
Pierwsza praca Radixa z cyklu Art Blocks, „Inspirals”, wciąga widzów w hipnotyczny cykl ruchu i medytacyjnej koncentracji, z misternymi wzorami, które wymagają dokładnego obejrzenia, wciągając widza w nieskończone możliwości geometrii.

Na początku tego roku OpenSea i Art Blocks uruchomiły nowy program rezydencji artystycznej w Marfa w Teksasie, jego pierwszym artystą jest jiwa, który w czasie rezydencji obserwował rytm zachodniego Teksasu: jego społeczność, jego kurz oraz napięcie między minimalizmem a maksymalizmem.
Ostatecznym rezultatem jest DDUST, generatywna seria, która bada, jak małe rzeczy - czy to kurz, czy piksele - gromadzą się, aby stać się czymś większym, inspirowany krajobrazem pustyni Marfa i dziedzictwem minimalizmu, jiwa wplata swoje osobiste doświadczenia w jedno dzieło, łącząc animacje na łańcuchu z rzeczywistą aktywnością w Ethereum.

Jimena Buena Vida, kolumbijska artystka amerykańska, wplata uwolnienie w każdą ze swoich prac, jako samouk cyfrowy artysta, wykwalifikowany inżynier i matka dwójki dzieci, łączy swoją wiedzę techniczną z silną inteligencją emocjonalną, tworząc abstrakcyjną sztukę generatywną, zapraszając kolekcjonerów do przyjęcia uzdrowienia i osobistej transformacji.
Buena Vida urodziła się w Bogocie w Kolumbii, obecnie mieszka w Stanach Zjednoczonych, jej misją jest inspirowanie niedostatecznie reprezentowanych artystów do wiary w swoją wizję twórczą, jej seria prac została wyprzedana, w tym głęboko analizujące podstawowe aspekty istnienia "Epifanie" oraz interpretacje tożsamości w generatywnej serii sztuki "Wszystkie nasze twarze", jej animacja "Skąd pochodzimy" zyskała uznanie w 23. edycji nagród Latin Grammy® NFT.

Sztuka generatywna James Merrill jest znany ze swoich pejzaży w stylu Wimmelbilder, które łączą mechaniczną precyzję kodu z ciepłem ręcznie rysowanych ilustracji, najnowsza wersja jego wysoko cenionego projektu Busy zadebiutowała jako część serii Art Blocks Curated, przesuwając granice sztuki w łańcuchu.
Busy jest inspirowany skomplikowanym systemem życia miejskiego, jest rysowany przez ploter piórkowy (maszynę, która może rysować każdy utwór linia po linii z niesamowitą szczegółowością), aby stworzyć ogromne symulowane miasto.
Przed wystawą Busy w Art Blocks Curated i wydaniem Busiest przeprowadziliśmy wywiad z Merrillem, aby porozmawiać o rysowaniu piórem, przełomach technologicznych, które umożliwiły Busy, i dlaczego koncepcja "wieczności" stała się centralnym elementem jego twórczości.

Londyński artysta Anthony Heideman, lepiej znany jako MountVitruvius lub „MV”, stworzył wyjątkową przestrzeń w dziedzinie sztuki generatywnej, włączając osobiste wspomnienia i inspiracje literackie do tworów algorytmicznych. 
Jego składająca się z 999 elementów seria „Mind the Gap”, inspirowana zabawami i eksploracjami z dzieciństwa, została po raz pierwszy wydana na platformie sztuki generatywnej gm.Studio, natomiast seria „Render's Game” bada iteracyjną naturę skumulowanych osiągnięć, zmierzając w kierunku sztuka MV Journey i hołd złożony powieści science fiction Orsona Scotta Carda z 1985 roku Gra Endera.

Wyobraź sobie, że masz bluzę z kapturem tak wyjątkową jak odcisk palca. Witamy w świecie mmERCH, nowej firmie oferującej niestandardową, jedyną w swoim rodzaju odzież identyfikowalną za pomocą technologii blockchain.
Każdy produkt mmERCH zaczyna się jako dzieło sztuki generatywnej, a następnie jest przekształcany w NFT, który można wymienić na odzież fizyczną. To innowacyjne podejście, wymyślone przez założyciela i dyrektora generalnego mmERCH Colby'ego Mugrabi, może umożliwić masową produkcję odzieży na zamówienie, powiedział Mugrabi. , bezprecedensowy wyczyn.
Osadzając chip NFC (Near Field Communication) w każdej bluzie z kapturem, mmERCH zamienia odzież w „portfel do noszenia”, który rejestruje pochodzenie i powiązane doświadczenia z każdym przedmiotem, co jest nowatorskim podejściem dla tych, którzy chcą śledzić swoje przedmioty Znani właściciele lub kolekcjonerzy dużych wydarzeń i miłośnicy mody wnoszą nowy poziom zaangażowania.

Praktyka Jacka Butchera koncentruje się na przekształcaniu niewidocznych rzeczy w widoczne. Jego minimalistyczne, ale bogate w koncepcje dzieła badają systemy wartości, struktury własności i ludzkie zachowanie w epoce cyfrowej.
Jego prace łączą projektowanie, rynek i psychologię, przekształcając koncepcję tego, jak ludzie tworzą i nadają znaczenie, w sztukę, która jest zarówno analityczna, jak i pełna humanistycznej troski.
Wywiad ten odbył się w weekend Marfa Art Blocks w holu hotelu Saint George, gdzie Jack Butcher podzielił się swoimi poglądami na temat cyfrowej trwałości, współpracy oraz tego, jak własność nadal kształtuje kreatywność i połączenia.

Witamy w OpenSea Digest, gdzie przyglądamy się najważniejszym wiadomościom tygodnia z NFT i web3.
New York Poetry Society organizuje warsztaty poezji generatywnej z Aną Marią Caballero
Artystka i mistrzyni poezji cyfrowej Ana Maria Caballero organizuje wirtualne warsztaty zatytułowane „Poetry Beyond the Page” – wydarzenie organizowane we współpracy z New York Poetry Society, które zaprasza poetów do tworzenia dzieł wykraczających poza kartkę papieru i łączących poezję z twórczością mediów cyfrowych .​
Caballero jest współzałożycielką theVERSEverse wraz z poetką AI Sashą Stiles oraz konceptualnym pisarzem i artystą zajmującym się kryptowalutami Kalenem Iwamoto, a także prezentuje swój wiersz „Cord” na aukcji internetowej Sotheby’s Bitcoin Ordinals zatytułowanej Native Digital.

Urodzona w Tokio w 1990 roku Emi Kusano rozpoczęła swoją artystyczną podróż jako fotografka uliczna na ulicach Harajuku jako nastolatka, co zaowocowało wystawą w Muzeum V&A.
Multidyscyplinarna artystka, która bada skrzyżowanie retrofuturyzmu i współczesnego przyspieszenia technologicznego, jej wyjątkowa grafika AI znalazła się na okładce WWD Japan i była prezentowana na aukcjach w Christie's i Gucci.​
Jej prace zyskały międzynarodowe uznanie i były wystawiane w takich miejscach jak Galeria Saatchi i Muzeum Sztuki Współczesnej XXI wieku w Kanazawie, a także były gromadzone w kilkunastu krajach na całym świecie.

Sztuka tworzona za pomocą algorytmów i kodu od dziesięcioleci znajduje się na marginesie, zyskując uznanie jedynie w kręgach akademickich i sztuki cyfrowej, ale jest ignorowana przez tradycyjny świat sztuki.
To się zmieniło wraz z pojawieniem się kolekcji opartych na blockchainie, które zapewniły artystom tworzącym w tym stylu, znanym jako "sztuka generatywna", niezawodny sposób na udowodnienie autentyczności, ustalenie pochodzenia i sprzedaż swoich dzieł bezpośrednio kolekcjonerom.
Obecnie wiodące instytucje, takie jak Los Angeles County Museum of Art (LACMA), Centre Pompidou w Paryżu i Museum of Modern Art (MoMA) w Nowym Jorku, wystawiają prace artystów generatywnych, ta ekspansja zbiega się w czasie z pojawieniem się platform takich jak Art Blocks.

Witamy w przeglądzie OpenSea, przyjrzyjmy się największym wiadomościom NFT i web3 w tym tygodniu.
Wystawa Rafaëla Rozendaala odbywa się teraz w MOMA
Nowa wystawa holendersko-brazylijskiego artysty Rafaëla Rozendaala odbywa się w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku (MoMA). 'Światło' to immersyjna wystawa, która rozpocznie się 16 listopada i potrwa do wiosny 2025 roku, na nowoczesnej ścianie cyfrowej.
To urządzenie wyświetla serię animacji napędzanych algorytmami autorstwa Rozendaala, z każdą animacją wyświetlaną przez dwie do trzech minut na dużym ekranie o wysokiej rozdzielczości. Jego prace pierwotnie były szkicami na papierze, które następnie zostały przekształcone w zwięzły kod, a wygenerowana animacja w czasie rzeczywistym zdaje się integrować ze światem fizycznym.

Najnowszy projekt Jacka Butchera (Gas Wars) bada jedną z sił, która jest najłatwiejsza do zignorowania, gdy rozumiemy sukces: błąd przeżycia. Ta seria dzieł stworzona przez Art Blocks Curated ma ogromny wpływ wizualny, bogatą warstwę koncepcyjną, przekształca zniekształcenia danych w projekt - pokazuje nam nie tylko, co się udało, ale także, co nie.
W tym wywiadzie Butcher analizuje ideę stojącą za tym projektem, w tym dlaczego w dziełach sztuki projektowane są elementy destrukcyjne oraz jak sam proces mintowania staje się poligonem doświadczalnym wartości, decyzji i działań. Art Blocks Curated pozostała tylko w ostatniej odsłonie, (Gas Wars) doskonale reflektuje wszystko, co widzimy, myślimy i zostawiamy za sobą.