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DADABOTS ist ein Musikduo, das Kunst, Code und maschinelles Lernen kombiniert. Sie sind bekannt dafür, Underground-Musikstile wie Death Metal, Drum and Bass und Hardcore-Punk mit neuronalen Synthesetechnologien zu verbinden und Werkzeuge zu entwickeln, die in Echtzeit Live-Musik generieren und neue Musikgenres schaffen, die die Bedeutung von Aufführungen neu definieren.
Ihre Arbeiten umfassen virale Live-Übertragungen, akademische Forschung und globale Auftritte, all dies basiert auf ihrem festen Glauben, dass die Zusammenarbeit zwischen Mensch und Maschine der Schlüssel zur Förderung der Kreativität ist.
Dieses Interview fand im Hotel Saint George Hall während des Art Blocks Marfa-Wochenendes statt, DADABOTS teilte, wie generative Werkzeuge die Musik neu gestalten, warum sie Lo-Fi-Sounds und Unvorhersehbarkeiten umarmen und was sie immer wieder in die Art Blocks-Community zurückbringt.

Bryan Brinkman ist ein multimediales Künstler, dessen Arbeiten Animation, Illustration und generative 3D umfassen. Er war als Produzent in TV-Show wie 'Saturday Night Live' und 'The Tonight Show' tätig und verfügt über umfangreiche Erfahrung in der Fernsehbranche. Er bringt ein tiefes Verständnis für Geschichtenerzählen und Zuschauerinteraktion in den Bereich der digitalen Kunst ein.
Seine wiederkehrenden Bilder und seine lebhaften visuellen Sprachen interpretieren den sich ständig verändernden kreativen Raum, während Projekte wie BrinkWorks neue Modelle für die Erhaltung der künstlerischen Freiheit und Gemeinschaft erforschen.
Das Interview fand im Foyer des Hotel St. George während des Marfa Art Blocks Weekends statt, bei dem Bryan Brinkman über kreative Nachhaltigkeit, die Herausforderungen der digitalen Dauerhaftigkeit und die Bedeutung seines ersten Eintritts in die Marfa-Community nachdachte.

Ben Kovach ist ein generativer Künstler, der in Williston, Vermont, lebt. Seine Arbeiten erforschen den Raum zwischen strukturierten Systemen und spontanen Ergebnissen. Seine künstlerische Praxis wird von den Traditionen des Minimalismus und des Maximalismus beeinflusst und verbindet mathematische Strukturen mit visueller Intuition. Er entwickelt generative Systeme mithilfe der Programmiersprache Haskell und transformiert diese schließlich in komplexe und oft groß angelegte Kunstwerke.
Das Interview fand im Foyer des Hotel St. George während des Marfa Art Blocks Weekends statt. In dem Gespräch teilt Ben Kovach, wie Code, Farbe und Gemeinschaft seinen kreativen Prozess formen, und erklärt, warum Marfa weiterhin ein bedeutungsvoller Ort für Austausch und Inspiration bleibt.

Der Künstler Jimmy Griffith, auch bekannt als Remnynt, hat ein natürliches Talent für die Schaffung feiner Kunstwerke.
Er wurde als Baby mit Nystagmus diagnostiziert, einer Erkrankung, die unwillkürliche Bewegungen der Augen verursacht. Er sagte, er sei von handwerklichen Aktivitäten mit komplexen Labyrinthen und Karten angezogen worden, bei denen er sich konzentrieren und aufmerksam auf visuelle Aufgaben achten konnte.
Mit vier Jahren begann er, Labyrinthe und Karten für die Spiele zu zeichnen, die er selbst entwickelte, und in der High School begann er, Spiele für Freunde mit dem TI-83 Taschenrechner zu programmieren.
Heute sagt Remnynt, dass Software sein künstlerisches Medium ist. Er hatte 2008 zum ersten Mal Kontakt mit generativer Kunst, als er erforschte, wie Computergrafik mithilfe von mathematischen Algorithmen und fraktaler Geometrie in der Spielwelt in Echtzeit reproduziert werden kann.

Rob Dixon, besser bekannt als Radix, verwandelt Code in generative Kunst, die sowohl umwerfend als auch schön ist. Radix hat seinen Sitz in Marin County, Kalifornien, und experimentiert seit Jahrzehnten an der Schnittstelle von Kunst, Code und Videospieldesign.
Seine Arbeiten sind überall zu finden, von Marfa bis Paris, und sogar im Metaverse, wo er das beliebte Decentraland-Spiel WonderZone mitentwickelt hat.
„Inspirals“, das erste Art Blocks-Werk von Radix, zieht den Betrachter in einen hypnotischen Zyklus aus Bewegung und meditativer Konzentration, mit komplizierten Mustern, die eine genaue Betrachtung erfordern und den Betrachter in die endlosen Möglichkeiten der Geometrie entführen.

Die kolumbianisch-amerikanische Künstlerin Jimena Buena Vida integriert den Ausdruck in jedes ihrer Werke. Als autodidaktische digitale Malerin, ausgebildete Ingenieurin und Mutter von zwei Kindern kombiniert sie ihr technisches Wissen mit einer starken emotionalen Intelligenz, um abstrakte generative Kunst zu schaffen, die Sammler zur Heilung und persönlichen Transformation einlädt.
Buena Vida wurde in Bogotá, Kolumbien, geboren und lebt jetzt in den USA. Ihre Mission ist es, unterrepräsentierte Künstler zu inspirieren, an ihre kreativen Visionen zu glauben. Ihre Serie ist ausverkauft, darunter die generative Kunstserie "Epiphanien", die grundlegende Aspekte des Seins untersucht, und die Interpretation der Identität "Alle unsere Gesichter". Ihr Animationswerk "Woher kommen wir" hat bei den 23. Latin Grammy Awards® NFT-Serie große Beachtung gefunden.

Die kreative Praxis von Jack Butcher dreht sich um die Sichtbarmachung unsichtbarer Dinge. Er betrachtet mit minimalistischen, aber konzeptionell reichen Arbeiten die Wertsysteme, Eigentumsstrukturen und menschliches Verhalten im digitalen Zeitalter.
Seine Arbeiten vereinen Design, Markt und Psychologie und verwandeln die Konzepte, wie Menschen Bedeutung schaffen und verleihen, in analytische und humanistisch geprägte Kunstwerke.
Dieses Interview fand im Foyer des Saint George Hotels während des Marfa Art Blocks Wochenendes statt, wo Jack Butcher seine Ansichten über digitale Permanenz, Zusammenarbeit und wie Eigentum weiterhin Kreativität und Verbindungen formt, teilte.

Der in London lebende Künstler Anthony Heideman, besser bekannt als MountVitruvius oder „MV“, hat einen einzigartigen Raum im Bereich der generativen Kunst geschaffen, indem er persönliche Erinnerungen und literarische Inspirationen in algorithmische Kreationen integriert. 
Seine 999-teilige „Mind the Gap“-Reihe, inspiriert von Kindheitsspielen und Erkundungen, wurde erstmals auf der generativen Kunstplattform gm Studio veröffentlicht, während seine „Render's Game“-Reihe die iterative Natur kumulativer Leistung erforscht und sich der Kunst des Schaffens widmet Musikvideos „Journey“ und eine Hommage an Orson Scott Cards Science-Fiction-Roman „Ender's Game“ aus dem Jahr 1985.

Selten gibt es Künstler, die, wie Tyler Hobbs, einen so tiefgreifenden Einfluss auf die Diskussion über generative Kunst ausüben. Seine Werke erkunden, wie Algorithmen die Unvollkommenheiten der Natur und der Emotionen widerspiegeln und Code in ein Medium verwandeln, das die digitale und die physische Welt verbindet.
Dieses Interview fand in der Lobby des St. George Hotels während des Marfa Art Blocks Wochenendes statt, wo Tyler Hobbs seine Gedanken zur sich ständig weiterentwickelnden Rolle der generativen Kunst in der Kultur, dem Gleichgewicht zwischen maschineller und menschlicher Ästhetik sowie dem anhaltenden Reiz der Kunstproduktion in Marfa teilte.
Hinweis: Um den Umfang und die Klarheit zu wahren, wurde der Inhalt dieses Interviews bearbeitet.

RalenArc ist eine multidisziplinäre Künstlerin aus den USA, die über 16 Jahre damit verbracht hat, ihre Fähigkeiten in verschiedenen Medien wie Wandmalerei und digitaler Kunst zu verfeinern. Ihre Arbeiten vereinen Texturen und organische Formen aus der Natur und werden nun präzise in Code übersetzt, was ihre Werke sowohl fesselnd als auch tiefgründig macht.
Nachdem sie mit traditionellen Formen wie Leinwand und Ton begonnen hatte, wandte sich RalenArc der generativen Kunst zu und fand schnell ihren eigenen Stil. Dieser Wandel ermöglichte es ihr, komplexe Designs zu schaffen, die ihr Interesse an der Schnittstelle von Technologie und Natur widerspiegeln.
Sie hat ihre Arbeiten auf Plattformen wie Sotheby's, Feral File und ArtBlocks veröffentlicht. Ihre Werke wurden auf der Art Basel Miami und während der Bitcoin-Konferenz 2024 in renommierten Ausstellungen gezeigt und in Galerien in Städten wie Singapur, Amsterdam, Venedig, Berlin, New York und London ausgestellt.

Im frühen 21. Jahrhundert wuchs der texanische Künstler DeltaSauce auf. Er war ein Kind, das stundenlang vor den Zeitschriftenregalen verbringen konnte. Wenn seine Mutter einkaufen ging, blätterte er durch Hochglanzmagazine mit Innenarchitektur-Layouts und kühner Coverkunst, und fand in dem sorgfältig kuratierten Chaos unerwartete Inspiration.
DeltaSauces Vater war Tischler, der nützliche Ästhetik von Grund auf neu schuf, weshalb er lernte, Design als Kunst und Geschichte zu betrachten. Dieses Thema zieht sich heute durch seine gesamte Karriere.
Auf dem Marfa Arts District Weekend 2024 stellte DeltaSauce zum ersten Mal sein erstes Installationskunstwerk vor, eine Reihe von Vintage-CRT-Monitoren, die einst das Zentrum des Wohnzimmers in den 90er Jahren waren. Der Künstler nutzte diese noch funktionierenden Gegenstände als Leinwand für seine KI-Werke.

Neel Shivdasani ist ein Künstler und Technologe aus Atlanta, der gleichzeitig bei der Mediensoftwarefirma Automattic die Innovation in der künstlichen Intelligenz leitet und generative Kunst schafft.
Shivdasani hat einen professionellen Hintergrund, der Erfahrungen in führenden digitalen Publikations- und E-Commerce-Plattformen umfasst. Sein technisches Know-how ist unbestreitbar, aber seine wahre kreative Leidenschaft liegt darin, die Grenzen des Einsatzes von Code als künstlerisches Medium zu durchbrechen.
Shivdasanis erste Serie "Tropism" wurde 2021 auf OpenSea veröffentlicht. Während des Marfa Art Blocks Weekends stellte er "Motion Pictures" vor, eine Serie von 100 Werken, die animierte Kunst in ein haptisches interaktives Erlebnis verwandelt, das sowohl auf Bildschirmen als auch in Druckformaten sichtbar ist.

Es gibt nur wenige Künstler, die mehr als 25 Jahre mit generativem Code arbeiten können, aber Harvey Rayner ist so jemand. Als Veteran der generativen Kunstszene sind Rayners Werke sowohl kühn als auch ätherisch.
Seine Werke zeichnen sich durch blockartige geometrische Formen und starke Kontraste aus, die mit sanften, hellen Edelsteinfarben ausgeglichen werden. Diese Kombination lässt seine Werke leicht und kraftvoll erscheinen, fast wie ein Filmnegativ, das zwischen Licht und Schatten eingeklemmt ist.
Rayners "Fontana"-Serie wurde 2022 erstmals auf Art Blocks generiert. Sie fängt abstrakt die fließende Bewegung von Brunnen mit generativem Code ein und verwendet statische Elemente, um sie darzustellen. Jeder Output wird aus einer sorgfältig kuratierten Palette von Farbzusammenstellungen erzeugt.

Algorithmische Malerei von James Merrill, die geschickt Code und Handwerk verbindet. Er arbeitet mit einem maßgeschneiderten Zeichenroboter zusammen, um generative Algorithmen in physische Werke zu verwandeln, die sowohl Präzision als auch Mängel aufweisen. Seine Kunstwerke feiern die unvorhersehbare Schönheit analoger Materialien und erforschen, wie Technologie digitalen Kreationen eine dauerhafte physische Existenz verleiht.
Dieses Interview fand in der Lobby des St. George Hotels während des Marfa Art Blocks Wochenendes statt, James Merrill diskutierte in dem Interview die Rolle der Emotionen in seinem Schaffensprozess, den Wert des Unvollkommenen und wie Marfa weiterhin den experimentellen Geist und das Gemeinschaftsgefühl von Künstlern inspiriert.

Jiwa ist ein Künstler, der in Berlin lebt und mit Code bewegende und ausdrucksstarke digitale Werke schafft. Mit Technologie als Medium erforscht er die menschliche Erfahrung. Jiwa kombiniert Programmierung und Malerei und untersucht, wie Emotionen, Imperfektion und Benutzerfreundlichkeit die sich ständig weiterentwickelnde Beziehung zwischen Kunst und digitaler Welt formen.
Dieses Interview fand in der Lobby des St. George Hotels während des Marfa Art Blocks Wochenendes statt, wo Jiwa seine Einsichten zur Unvorhersehbarkeit generativer Kunst, zur zeitlosen Bedeutung und dazu, wie Porträtkunst eine Verbindung zwischen Technologie, Gemeinschaft und menschlicher Existenz herstellt, teilte.

Seit 2006 schafft der Toronto-Künstler Mitchell F. Chan nachdenkliche öffentliche Werke, weshalb sein Portfolio eine Reihe von Konzeptwerken an der Spitze der Innovation umfasst, die in Form von Videospielen, Galerieinstallationen und NFTs präsentiert werden.
Im Jahr 2017 stellte Chan eines der frühesten tokenisierten Blockchain-Kunstwerke in einer traditionellen Galerie aus und festigte damit seine Vorreiterrolle im NFT-Bereich. Das Projekt mit dem Titel "Die digitale Zone der immateriellen Malerei" erforschte den Besitz selbst als eine Erfahrung und untersuchte, wie die Natur des Handels die Beziehung zwischen Betrachter und Kunst beeinflusst.